Press text for House Call at Sans titre (April 27 – June 3, 2023)
by Benoît Lamy de la Chapelle


Jacent
House Call

Painting outside the frame is among the great concerns of the avant-garde of the early 20th century, as well as for that of the 60s and 70s and up to the present day. It would seem that during this period, both fatal and salvational for painting, the act of painting was constrained by different pressures related to historical contexts, political changes, and social progress. Painting, far from being ridiculed by Marcel Duchamp[1], became a zone of tension between radicalism and bourgeois conservatism, political emancipation and the art market; financial speculation on one side and artistic speculation on the other. Painting does not decide between one or the other: it remains a realm of possibility that belong to no one. By extracting itself from its limitations, it became vulnerable, but became a tangible medium for all forms of expression, from the most praiseworthy to the most questionable.

Insatiable painters since their childhood, the duo of Jacent (Jade Fourès-Varnier and Vincent de Hoÿm) have embraced this emancipation head on, by formulating, since they began working together, a pictorial practice that deploys itself on furniture, walls, the floors… All in order to express themselves in an environment that becomes a living space more than an exhibition space. Without being rejected, since it remains in many of their works, the frame of the painting happens to be highly limited for personalities too attached to notions of sharing and generosity to circumscribe their practice in such a way. If their painting often enriches the walls of an exhibition space, it is, for the artists, a way to make the authoritarian and inextricable white cube a welcoming zone, in order to transmit this pleasure that they feel in confronting it. Their painting also covers white earthenware tiles from the pictorial universe of artists, on canvases and on furniture (coffee tables, armchairs, benches, lamps…) alike, thanks to which the visitor is invited to feel “like at home.” It’s not so much a matter of participatory art, as a way of filling a void, a tenacious one identified with places where repose, fatigue, and the possibility of taking one’s time are not part of the program. For Jacent, painting is also intended for sitting, looking around, having a drink, chatting, reading… So that the exhibition space becomes a pleasant place, without necessarily trying to turn it into a café, a living room, a restaurant, a hotel room, or a nightclub. Because there are certainly better places than an exhibition space to do all that. And if Jacent was indeed able, in the past, to draw inspiration from these public or private places in their practice, it was simply to breathe into it a little of these atmospheres where everybody feels at ease, with the aim of making the white cube less hostile while still preserving its characteristics.

This approach cedes an important place to conviviality, and their painting has been able to become a receptacle for meals, in which dishes have been skillfully cooked and composed and served on painted plates, which themselves are as relevant on a table as they are when hung on walls. Depending on the use and the context, Jacent’s works change their function: works of art in essence, they serve as furniture in their homes, or sometimes appear in the exhibitions of artists featured at Tonus[2], where they oversee curation.

This coming and going is representative of an artistic practice that prefers not to differentiate between art and life, in order to welcome visitors to exhibitions as one welcomes friends. This generosity is found in Jacent’s pictorial touch and imaginary environment, plunging the viewer into landscapes of luxuriant nature, shimmering with color, where fauna and flora coexist harmoniously with human bodies and those of animals. There we see children, couples in love, ungendered, family situations and scenes of desire. And everything could depict a perfect world, from a childish and carefree point of view, if not for this depth of color, the illustration of mysterious dreams, an ambient melancholy reminding us that this state of plenitude could come to a prompt end.

For the occasion of their exhibition House Call, Jacent continues this search for flexibility between private and public zones within the exhibition space at Sans titre. House Call is the call of home, but an open home, where the family unit opens up to other types of family, other understandings and uses of domestic space, for experiments in exchange in which art, too, has a role to play. House Call reconfigures the gallery space into a hybrid space with, on the floor, a colorful composition made of carpeting; on the wall are works of painted earthenware tiles, depicting flowers and characters that seem to emerge from a common origin; pastels showing windows opening onto dreamlike, sandy landscapes, whose intense light transforms the beach into a desert expanse at once infinite and uncanny. Letters appear like H.O.U.S.E, but also H.O., evoking the ruins of signage reminiscent of vacation spots, or even musical atmospheres associated with moments of pleasure that permit one to release oneself and achieve harmony. Paintings are fixed to the walls like flat screens while mini-paintings are plugged in, being loaded, humorously questioning the influence of social networks on the evolution of painting, as well as its contemporary status, troubled by a plethora of digital images or NFTs. An edition produced by the artists reiterates the subject of the flower bouquet, already present in the paintings, in the form of drawings and photographs of floral compositions inspired by the series, this time highlighting the medium of paper. It can be leafed-through on a sofa, by the light of lamp-sculptures in cut earthenware tiles. At the far end, a last room hides away in the manner of a studiolo. More refined, this space suggests the study and analysis of other variations of bouquets of flowers, and here, only painting enjoys the total attention of the senses. These repetitions of floral motifs act like a musical composition, their titles often referring to melancholy songs by Billie Holiday, to rap, or to house music or classical music.

If we always find ourselves « Chez Jacent »[3], Jacent find themselves always at others’ places, and it matters little that they be at the home of someone in particular, as long as the duo always find the aesthetic means of offering and sharing something, whether it be a meal, an emotion, a conversation, an exhibition, or a little bit of love.

– Benoît Lamy de La Chapelle
(translated by Aaron Ayscough)

[1] cf. the exhibition Marcel Duchamp. La peinture, même, Centre Pompidou-Musée national d’art moderne, curator: Cécile Debray, September 24, 2014 – January 5, 2015, Paris.
[2] Tonus is an artist-run space located in Paris, founded and directed by the duo since 2014.
[3] The title of one of their notable exhibitions on the subject, Chez Jacent, Tonus, Paris, 2017

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FR

Jacent
House Call

Peindre en dehors du cadre est une des grandes affaires des avant-gardes du début du XXe siècle, de même que pour celles des années 60 et 70 jusqu’à nos jours. Il semble que durant cette période, à la fois fatale et salvatrice pour la peinture, l’acte de peindre ait été contraint par différentes pressions liées aux contextes historiques, aux changements politiques et aux progrès sociaux. La peinture, loin d’être ridiculisée par Marcel Duchamp[1], est devenue cette zone de tension entre radicalité et conservatisme bourgeois, emancipation politique et marché de l’art, spéculation financière d’un côté et spéculation artistique de l’autre. La peinture ne se décide pas entre l’un ou l’autre, elle reste ce domaine des possibles qui n’appartient à personne. En s’extrayant de ses limites, elle devenait vulnérable mais un solide appui pour toutes formes d’expression, de la plus louable à la plus critiquable.

Peintres insatiables depuis leur enfance, le duo Jacent (Jade Fourès-Varnier et Vincent de Hoÿm) a pris à bras le corps cette émancipation, en formulant depuis qu’iels travaillent en commun, une pratique picturale se déployant sur du mobilier, les murs, les sols… pour s’exprimer dans un environnement devenant lieu de vie davantage qu’espace d’exposition. Sans le rejeter pour autant, puisqu’il demeure dans bon nombres de leur œuvres, le cadre du tableau ne pouvait convaincre une approche et des personnalités trop attachées aux notions de partage et de générosité, pour circonscrire ainsi leur pratique. Si leur peinture investit souvent les murs de l’espace d’exposition, il s’agit pour eux de faire de l’autoritaire et inextricable white cube une zone accueillante, afin de transmettre ce plaisir qu’iels ressentent lorsqu’il s’agit de s’y confronter. Elle recouvre aussi des carreaux de faïence blanc de l’univers pictural des artistes, à la fois sur des tableaux et sur du mobilier (tables de salon, fauteuils, banquettes, lampes…) grâce auquel le visiteur est convié à se sentir « comme chez lui ». Il ne s’agit pas d’art participatif pour autant, mais bien de combler un vide, celui tenace de lieux où la pose, la fatigue et la possibilité de prendre le temps ne font pas partie du programme. Chez Jacent, la peinture est aussi faite pour s’asseoir, regarder autour, boire un verre, discuter, lire… afin que l’espace d’exposition devienne un lieu agréable sans pour autant essayer d’en faire un café, un salon, un restaurant, une chambre d’hôtel ou une boite de nuit. Car il y a certainement mieux qu’un lieu d’exposition pour faire tout cela. Et si Jacent a effectivement pu, par le passé, s’inspirer de ces lieux publics ou privés dans leur projet, ce fut simplement pour y insuffler un peu de ces ambiances convenant à tous.tes, dans ce but de rendre le white cube moins hostile, tout en y préservant ses caractéristiques propres.

Cette approche concède une part importante à la convivialité et la peinture a pu devenir réceptacle pour des repas, pour lesquels des plats ont été savamment cuisinés et composés, servis dans des assiettes peintes, aussi pertinentes sur une tablée qu’accrochées aux murs. Selon l’usage et le contexte, les œuvres de Jacent changent de fonction: œuvres d’art par essence, elles servent de mobilier domestique chez eux, ou parfois dans les expositions d’artistes invités à Tonus[2], dont iels assurent la programmation.

Ce va-et-vient est significatif d’une pratique artistique ne souhaitant pas différencier l’art et la vie, afin d’accueillir les visiteurs d’expositions comme on accueille des amis. Cette générosité se retrouve dans la touche picturale et l’environnement imaginaire de Jacent, plongeant le regardeur dans des paysages à la nature luxuriante, aux couleurs chatoyantes, où faune et flore cohabitent harmonieusement avec les corps humains et ceux des animaux. On y perçoit des enfants, des couples amoureux et non genrés, des situations familiales et des scènes de désir. Et tout pourrait dépeindre un monde parfait, d’un point de vue enfantin et insouciant, si ce n’est cette profondeur des coloris, la représentation de rêves mystérieux, la mélancolie ambiante nous rappelant que cet état de plénitude pourrait connaitre une fin prompte.

À l’occasion de leur exposition House Call, Jacent poursuit cette recherche d’assouplissement entre zones intimes et publiques au sein de l’espace d’exposition chez Sans titre. House Call, c’est l’appel de la maison mais une maison ouverte, où la cellule familiale s’ouvre à d’autres types de famille, d’autres compréhensions et utilisations de l’espace domestique, pour des experimentations de partages dans lesquelles l’art a aussi son rôle à jouer. House Call reconfigure l’espace de la galerie en espace hybride avec, au sol, une composition colorée faite de moquette ; au mur des tableaux de carreaux de faïences peints, figurant des fleurs et des personnages semblant émerger d’une origine commune ; des pastels présentant des fenêtres ouvertes sur des paysages oniriques et ensablés, dont l’intense lumière transforme la plage en une étendue désertique à la fois infinie et inquiétante. Des lettres apparaissent comme H.O.U.S.E, mais aussi H.O., évoquant des ruines d’enseignes rappelant des lieux de vacances, ou encore des ambiances musicales associées à des instants de plaisirs permettant de se dépasser et de parvenir à l’harmonie. Des tableaux sont fixés aux murs tels des écrans plats tandis que des mini-peintures sont branchées en cours de chargement, questionnant avec humour l’influence des réseaux sociaux sur l’évolution de la peinture, de même que son statut troublé par la pléthore d’images digitales ou NFT. Une édition réalisée par les artistes réitère le sujet du bouquet de fleurs, déjà présent dans les tableaux, sous forme de dessins et de photographies decompositions florales inspirées de la série, privilégiant cette fois-ci le support papier. Elle peut être feuilletée dans un canapé, à la lueur de lampe-sculptures en carreaux de faïences découpés. Tout au fond, une dernière salle se dérobe à la manière d’un studiolo. Plus épuré, cet espace invite à l’étude et à l’analyse d’autres variations de bouquets de fleurs, et là, seule la peinture bénéficie de l’attention totale des sens. Ces répétitions de motifs floraux agissent telle une composition musicale, leur titre faisant souvent références à des chansons mélancoliques de Billie Holiday, de rap, de house ou de musique classique.

Si l’on se trouve toujours « Chez Jacent »[3], Jacent se trouve toujours chez les autres, et il importe peu que l’on soit chez quelqu’un en particulier tant que le duo trouve toujours les moyens esthétiques d’offrir et de partager quelque chose, qu’il s’agisse d’un repas, un sentiment, une conversation, une exposition ou un peu d’amour.

– Benoît Lamy de La Chapelle

[1] Voir le propos de l’exposition Marcel Duchamp. La peinture, même, Centre Pompidou-Musée national d’art moderne, commissaire d’exposition: Cécile Debray, 24 septembre 2014 – 5 janvier 2015, Paris.
[2] Tonus est un lieu d’art auto-géré situé à Paris, crée et dirigé par le duo depuis 2014.
[3] Titre d’une de leur exposition significative à ce sujet, Chez Jacent, Tonus, Paris, 2017.